"Gardez-vous de mépriser un seul de ces petits, car je vous le dis, leurs anges dans les cieux voient continuellement la face de mon Père qui est dans les cieux." (Mt 18, 10)

"Ici je suis seul avec le silence. J'ai découvert qu'il est assez quand une note simple est admirablement jouée. Cette une note, ou un battement silencieux, ou un moment de silence, me soulagent. Je travaille avec très peu d'éléments - d'une seule voix, avec deux voix. Je construis avec les matériaux les plus primitifs - avec la triade, avec une tonalité spécifique. Les trois notes de la triade sont comme des cloches. Et c'est pourquoi je l'appelle tintinnabuli." Arvo Pärt

Pour Arvo Pärt, chacune de ses symphonies est un monde en soi. Elles sont aussi le reflet des étapes esthétiques (néo-classique, sérielle, minimalisme, musique aléatoire, collage, style tintinnabuli...) du maître estonien. Depuis les années 80, Arvo Pärt jouit d’une reconnaissance qui dépasse amplement le cercle des amateurs de musique contemporaine. Cette stature, plutôt surprenante, est la conséquence de la musique qu'il a écrite depuis le milieu des années 1970, qu'il s'agisse de partitions instrumentales telles que Tabula Rasa (1977) et Fratres (1977), ou d'œuvres vocales comme Passio (1982), Berliner Messe (1990), Miserere (1989) et le Stabat Mater (1985).

Peut-être aussi parce que sa musique est moins exigeante à l’écoute, plus grand public que nombre de ses contemporains. Les années 70-80 est la période où il développe son style tintinnabuli (musique très souvent avec bourdon ne modulant pas, avec une harmonie non fonctionnelle). Il ne faut cependant pas oublier qu’avant cette mutation stylistique, Pärt avait été pendant les années 60 le premier compositeur dodécaphonique estonien. Il s’attira alors les foudres des très ouvertes autorités soviétiques mais la bienveillante écoute et l’intérêt des compositeurs et du public d’Europe de l'Ouest.

C’est surprenant mais les quatre symphonies n’avaient jamais été réunies auparavant. Ce qui l’est moins, c’est que ce soit Tõnu Kaljuste et le NFM Wroclaw Philharmonic qui aient enregistré ces quatre symphonies, le chef d’orchestre étant l’un des l'interprètes privilégiés du compositeur. Chacune de ses symphonies est donc un monde en soi et un marqueur de l’évolution stylistique de Pärt et Tõnu Kaljuste se montre convainquant quelle que soit la forme que prennent ces symphonies : le dodécaphonisme de la première symphonie, le côté aléatoire et presque pugnace et angoissant de la seconde symphonie, les références médiévales, l’organum du XIIIème siècle et à la polyphonie de la Renaissance de la troisième symphonie.

La symphonie n°4 "Los Angeles" a été écrite plus de vingt-cinq ans après la troisième symphonie. Le temps se dilate de plus en plus et c’est la première œuvre d’envergure orchestrale (cordes et percussions). La symphonie avec ces contrastes de textures, ces mouvements conjoints modaux, une certaine densité, repose sur un texte sacré de l’église orthodoxe. La prosodie de ce texte déterminant complètement le contenu musical. Et c’est toute la force de Tõnu Kaljuste et du NFM Wroclaw Philharmonic de rendre compte de la diversité d’écriture d’Arvo Pärt et de sa spiritualité, fil rouge de son corpus d’œuvres.